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两宋绘画，
创造出令人流连颠倒的无尽气象。
今年3月18日-4月16日，中国美院美术馆带来了
“宋韵今辉”艺术特展。
南宋四家的真迹在800年后，
齐聚它们的创作地——杭州。
展览火爆程度超乎想象，
不少人从外地赶来，二刷三刷。
在因文物保护而限流情况下，
一个月不到的时间里，共有15万人次观展。
故宫博物院一级甲等文物《四景山水图》，
带来对中国宋代生活最美好的想象，
《濠梁秋水图》，北宋南宋绘画之变的重要作品，
此前从未离开过天津博物馆……
每一张名作前，都是大排长队的观众。
展开全文
南宋 刘松年《四景山水图》冬景部分
杭州是南宋四家的创作地，在西湖仍感受到《四景山水图》描绘的空间
一条前往杭州，采访了中国美院院长高世名，
中国美院美术馆馆长、“宋韵今辉”总策展人余旭鸿。
“承继传统，
更是为了重新找回那个山水世界中的人——
那种在天地万象中格物致知、穷理尽性，
继而应会感神、神超理得的中国人的伟大精神”。
自述：高世名、余旭鸿
编辑：倪蒹葭
以下是中国美院院长高世名的自述
这次展览是南宋四家“刘李马夏”在800年之后第一次齐聚杭州，就是他们当年创作的地方，这个意义是巨大的。
最受关注的是从故宫借展的一件重器，南宋刘松年的《四景山水图》，呈现了南宋皇家画院第一流的水平。画卷后面附有明代李东阳题跋:“刘松年画考之小说,平生不满十幅,人亦难得”。这里就是四幅，它的珍贵可见一斑。
“宋韵今辉“展厅中的刘松年《四景山水图》
《四景山水图》冬景中主仆二人
它的用笔简洁、直接、沉着、痛快，同时他用最直接最简洁的笔墨语言，呈现出来如此精微的对于事物的刻画。里面所有细节妙趣旁生，那些小的人物，寥寥几笔，但非常生动，神情富有趣味，所谓的“笔才一二，象已应焉”。每一幅作品里都有对应时节的植物，仔细去看它花卉的细节，又是非常放松的画法。
对于他的描绘之精准，手法之精神，以前我没有这么强烈的感受。
《四景山水图》夏景纳凉，画中是西湖十景之一“曲院风荷”
《四景山水图》呈现出来一个非常重要的观念——“景”。西湖十景是在南宋固定下来的，它的本质是十个诗意的空间。
南宋的画家开始从连绵不断的山河世界里裁剪出一个个诗意现场，这应该说是800年前产生的新鲜事物。北宋的山川非常博大，它是全景山水，在周游遍览的游观之中，把远近高低、横看成岭侧成峰，全部综合在一个画面上，形成一个时空的综合体。
到了南宋，画家开始产生了变化，他们身寄山川，更加深入地走到了山川之中，行到水穷处，坐看云起时，他们停了下来，静观山水。这个过程之中产生了一个非常独特的视角，才有了“一江两岸”。
我也是这次观画过程中，体会到南宋出现了一种特写的山水，就像电影特写一样，所以有“马一角”“夏半边”（马远、夏圭），不是说这些画家只能画残山剩水，而是到了南宋，江南山川清媚、烟云弥远的景致，唤起了他们一种新的知觉，新的形式冲动——景，开始出现了，诗意的现场开始出现了。这是北宋和南宋之间发生的一个非常重要的事情。
南宋 李唐《濠梁秋水图》天津博物馆藏
《濠梁秋水图》局部，“一江两岸”的画面格局
李唐的重要性是他衔接了北宋南宋，他在北宋时已经成名，影响了南宋非常多重要的画家，在刘松年的山石中，都能看到李唐的影响。
《濠梁秋水图》呈现的“一江两岸”，是南宋时期常有的一种画面格局，和北宋绘画有了本质的区别。
他绘画的那片树林，是如此繁茂葳蕤，但是仔细看进去，它无比简单直接，他简单直接地编织起了这片树林，如此一丝不苟，又如此笔笔分明，这是他非常厉害的地方。
而且他不是对景写生，他是凭借记忆和经验，凭借理法来作画的。看这件作品的时候，我反复在揣摩这方面。
濠水和濮水交接地方的水流，他用非常轻柔的笔法去描绘，笔墨并不多，但是非常灵动，非常活，在那片微茫之间，感觉到水的波涛依然在荡漾。
提到李唐，我们就想到他的《万壑松风图》，万象森然、硬朗，有点像“树声争战起长风”，但在《濠梁秋水图》中，我们看到了他的阴阳两端，有刚硬，也有轻柔的信笔挥洒。很多观众专门奔着这件作品来看，它展出次数非常少，是第一次离开天津博物馆，也是反映北宋南宋绘画之变，非常重要的线索。
南宋 佚名《柳下双牛图》 上海博物馆藏
《柳下双牛图》局部
南宋的绘画本质上是诗意化，这和宋代画院的制度有关，宋代有两种绘画教育的方式，一种是国子监系统，招收画学，这是一条走科举的道路，极其注重文化修养的人文教育。另外一种是皇帝主持的皇家画院，强调格物致知，对于事物非常精微的感知和描绘，同时强调诗意，画家要能够根据诗意破题，“踏花归去马蹄香”“春潮带雨晚来急”，用这些诗句命题，画家去画，最后比赛，这是宋代皇家画院中经常有的桥段。
这是为什么我们今天看到南宋绘画，哪怕是小团扇，都会觉得是一个无比诗意的世界。
《柳下双牛图》是一个无名画师的作品，无名并不意味着不重要，因为那个时候没有落名款的习惯，它一定是当时一流水平。
你惊叹于他为什么能够如此细致地刻画春风春雨中的柳树，当你走入这个小世界，你会感觉到这个世界中春雨的润泽，它在温润着每一株小草，春风，它在吹拂着每一片柳叶，这种沉浸式的世界感，是宋人传达给我们最美妙的讯息。
北宋南宋的画家们，面对自然山川，面对一棵树，是让它在画面上重新生长一遍，在这个过程中，自然理法和绘画理法合二为一，这是宋人最根本的东西。
南宋 夏圭《烟岫林居图》 故宫博物院藏
宋人是不套路的。一张非常小的夏圭作品，《烟岫林居图》，这方天地里面是“笔笔生发”的一个世界，这一笔催动着下一笔，下一笔生发出又一笔，它是一套语言的自我建构，有点像这个世界上夏圭第一次命名了这棵树，第一次命名了这片山，它是一种发明，似乎突然之间我们听到了这个世界的回声。
这几棵树绝不是到了明清之后，形成的树石法的程式，那种套路化的东西，它是当下生成的，是自然造化的重演，像一个音乐家重新去演奏自然的理法，所以说它特别痛快。
在宋人跟山水的关系之中，相比后人，他们更有诚意，更加谦卑，深入地去理解这个造化的生成。
他们之所以能构造出山川意境，塑造出一个完整细微的世界，是因为他们对山水非常细致的观察。
郭熙有一本书《林泉高致》，里面系统讲述了中国山川构造的“三远法”（高远、深远、平远），这既是画面构造的方法，同时也是观看山水的办法，“山形步步移”“山形面面看”，游走的目光去理解山川各个侧面的形式，他说春山如笑，冬山如睡，对于山水的阴晴朝暮，他们都经过了非常认真的体察和经验。
山水如果说作为一种经验，这个经验的深度和丰富程度，在宋代达到了极致。而到了明清之后，越来越转化成书斋中文人的玩味，逸笔草草，聊以自娱，变成了崇尚笔墨趣味的一种艺术。人和自然、和真山水之间的关系也逐渐地疏远。
今天我们看到宋人这些重要作品，无比钦佩，我们要怎么面对它？
临摹仿拟，不是简单的拷贝复制，临摹是一种重演，让刘松年画的冬景那3棵松树重新生长一遍，让《濠梁秋水图》重新演绎一遍，这是临摹真正的意思。
我觉得对于今天的人来说，还是要去学宋人，学他们对待自然的态度，面对山高水长是怎样去真正理解和演绎的。
元 黄公望《富春山居图》（剩山图） 浙江省博物馆藏
《剩山图》是浙江博物馆的重宝，我们都知道黄公望《富春山居图》怎么样被烧成了两段，《剩山图》是头，《无用师卷》是身子，在台北故宫博物院。
《剩山图》这件作品真正做到了黄宾虹先生所说的“浑厚华滋”，它笔墨浑厚，但是又非常鲜活，很滋润，有那种水汽。它用纸比较致密，过了这几百年，作品中笔墨的那种鲜味，我们还感觉得到，这非常了不起。
相比《无用师卷》，《剩山图》画得更放松，同时它的墨气更加滋润。它老辣，又滋润，既苍又润，越苍越润。黄宾虹一直讲黄公望是“墨中藏笔”，就是这个意思。
潘天寿作品展厅
黄宾虹作品展厅
展览取名“宋韵今辉”，谁能够配得上“今辉”？这个事情我们也想了蛮久，觉得20世纪两位大师黄宾虹、潘天寿，他们既是回应了宋人，承接了大历史，同时又能够从传统中打出来，别开生面。
黄宾虹和潘天寿非常不一样，黄宾虹他的国学功夫非常精深，他对战国印玺、古文字有研究，对器物之学、经史学非常有心得，是很重要的学者和著述者。
潘天寿是一位诗人，他作画的时候先得诗情然后作画。两位是非常不一样的画家，潘天寿先生是形式大师，结构上注重非常精密的经营。
黄宾虹《夜山图》 浙江省博物馆藏
黄宾虹是层层叠加，不断地积墨渍墨破墨，用“五笔七墨”构造出浑茫一片。他是画夜山得法，他讲绘画中的笔墨，要做到浑厚华滋，层层生秀，像在夜山之中行走一样。在虚和实的关系上，他对宋人绘画极为推崇，“余观北宋人画迹，如行夜山，昏黑中层层深厚，运实于虚，无虚非实”。
他们是如此不同，但是他们的强度都足够，都是从古法中得其真髓，但又是真正意义上的现代画家，创新性非常强，返古开今。
潘天寿先生有一个非常重要的贡献，强调中国画和西洋画拉开距离，两峰挺立。他是文化自信最早的觉悟者和实践者。
黄宾虹先生则说，未来的世界是没有中国画与西洋画之分的，所以我们张开臂膀，等待着与一切来者握手。他不但平视泰中泰西，而且他张开臂膀等待着与一切来者握手，我觉得这才是真正的文化自信。
余旭鸿馆长
以下是中国美院美术馆馆长余旭鸿的自述
“宋韵今辉”艺术特展，是一个展览集群，每一件作品，从北宋的画开始，到南宋刘李马夏、元明清的画作，以及黄宾虹潘天寿，其实是有很多呼应关系的。
展览的筹办并不容易，尤其是在浙江，严格意义上没有一件代表性的宋画作品。在各个馆的大力支持下，尤其是故宫博物院、上海博物馆，辽宁省博物馆、天津博物馆，云南省博物馆，安徽徽州历史博物馆都支持了非常重量级的作品，使得这次南宋四大家齐聚杭州。
南宋 李嵩《西湖图》 上海博物馆藏
《西湖图》；西湖鸟瞰图
一楼的圆厅，“湖山信美”板块，是以西湖为母题的展厅，我们的一个初心是让800年前所创造的西湖和现在的西湖能够面对面。
李嵩的《西湖图》，是展览中年代最早的西湖全景图，而在中国美院美术馆的顶楼，就能看到他创作《西湖图》的同一视角，非常亲切。
《四景山水图》中的秋景；西湖十景中的“平湖秋月”
刘松年的《四景山水图》是故宫博物院一级甲等作品，展览中观众排队最长，他被称为“刘清波”，因为他住在离我们美术馆500米位置的清波门。他创作的恰恰又是杭州在南宋时期西湖十景中的四景，春景是苏堤春晓，夏景是曲院风荷，秋景，画的是平湖秋月，甚至能感受到房子里传递出来微微的烛光，人们在等着月亮升起，冬景中是断桥残雪。
它和《西湖图》要对照着看，比如为什么我们确定冬景画的就是断桥残雪？它和《西湖图》断桥孤山那一块，空间互相印证。
明 唐寅《钱塘景物图》故宫博物院藏
唐寅的《钱塘景物图》，题跋上写“钱塘景物似围屏，路寄山崖屋寄汀，杨柳坡平人马歇，鸬鹚船过水风腥。”杭州的确是三面环山，像围屏一样，只要我们去爬过宝石山，就能感受到“路寄山崖”，房子建在水汀旁边，唐寅描绘的空间，和我们现在去的感受是非常一致的。
《西湖二十景》中的平湖烟雨；与平湖烟雨相似的西湖鸟瞰
辽宁省博物馆收藏的一件从未展出过的作品，明代杭州人赵养志创作的《西湖二十景》，其中“十里荷香”中微风吹拂柳树，和它对面展出的《柳下双牛图》也是有对话关系的，江南春耕时节，柳条轻浮，我们几欲走进现场。
还有康熙下江南，在杭州建立行宫之后，请王原祁画的《西湖十景图》，现在能对应找到每个山头，每座桥梁。
我们想多重维度去形成一个整体的西湖文化印象，作品中的气息，还活化或者就生长在我们周边。
北宋 郭熙《溪山行旅图》云南省博物馆藏
一楼方厅，我们称为“浙水敷文”板块，从浙江人文在中国文化史中的独特地位出发，精选宋元明清浙江籍艺术家创作的作品。
两件北宋的作品，安徽徽州历史博物馆的翟院深《雪山归猎图》，从来没有出过馆，云南省博物馆珍藏的郭熙《溪山行旅图》，这70年从来没有出过馆，但对于我们这个展览叙事的完整性非常重要，呈现北宋山水和南宋山水的传承关系。
郭熙的《林泉高致》是中国山水画论述的巅峰之一，他提到山石是骨架，水流和瀑布是血脉，草木是毛发，烟霭之处是它的精气神和魂魄，这类表述在作品中能够活生生被感知到，并且这些传统在黄宾虹、潘天寿的画里面，能明显看到呼应。
李唐《濠梁秋水图》从来没有出过天津博物馆，但如果不能展出它，我们就很难描绘从北宋到南宋山水画的转折。
《吴兴赋》局部
这个板块还选了一件浙博收藏的重要书法作品，元代赵孟頫《吴兴赋》，他20岁时候写的赋，49岁重抄，正好《吴兴赋》的内容也是关于他的家乡湖州的地理人文。
南宋马远《雪屐观梅图》 上海博物馆藏；西湖长桥风景
马远《雪屐观梅图》，它不明确是西湖的印象，但从我个人观察，它空濛的气象，湖面和山的距离，松树上没什么积雪，梅枝上倒是有些积雪，以及注视等人的神情，整张画面宁静又悠远，显然是江南山水中独特的感受。
沈周的《湖山佳趣图》，是他第一次游历杭州之后，回到苏州，“梦寐未尝不在紫翠间也”，所以涂抹了很多和杭州有关的作品，在这张画的收尾部分，还能感受到现在杭州“九溪十八涧”的景致。
王翚81岁画的《江山胜览图》，向黄公望《富春山居图》致敬的作品，他描绘的富春江，和现在的富春江还有对应关系。
还有描绘绍兴兰亭雅集的，明代许光祚的《兰亭图》。我们从水的角度，梳理浙江的几条线索，有曲水流觞，有杭州西湖，有富春江。
一方水土，铸造了这个地域的独特的性格，独特的审美经验。
黄宾虹作品展厅
二楼黄宾虹的《夜山钩谷》展览，能看到他对北宋范宽李成的梳理，对刘李马夏的研习，也是一个互相呼应的关联。
黄宾虹游历全国名山大川，面对这些现场的时候，他脑中有一个伟大的绘画传统。
黄宾虹《黄山松谷五龙潭》
这张黄宾虹晚年的作品，非常珍贵，既有夜山的意象，又有雨山的意思，他画的是黄山五龙潭上他家乡的风景，题跋中提到，“千岩映秀，万壑争流，秋雨初霁，尤极其胜，略写大意”，能体会到他晚年时候独特的心境。
在对传统的研究中，真正触发了他自己创作的契机，让他个人无比熟悉的生活现场在画面上表达。
黄宾虹《山色浑融》，山间小屋有人挑灯工作
展厅中不止一张画中出现杭州的西溪、栖霞岭或者西泠桥，这是他1948年来杭州之后，一直到1955年逝世之前居住的现场，甚至画面中很多有两间房子，房子里还有一个老者挑灯工作，在我看来有点像自画像，这些画都是他生活中感受最真切的现场。
看黄宾虹的画，要从中读懂他对自然尤其是身边事物的独特观察，他画山，不是说造型色彩画得像这座山，他把这座山存在的独特感受表达出来，在杭州生活的人，看到他画的西溪、栖霞岭这些作品，会有一种非常亲切的感受，似乎就在眼前。
他作品里面有很多题跋，讲到他对北宋绘画的研究，他说“唐人刻画炫丹青，北宋翻新见性灵。浑厚华滋我民族，惟宗古训忌图经”，题跋也是这次黄宾虹展览考虑的重点，表达出他“师古人，师造化中得心源”这样一个状态。
中国美院美术馆位于西湖附近
负一楼展厅，展出中国美术学院数代学子的宋代书画临摹作业
为什么博物馆都愿意出借重器到美院？我想很重要的原因是美院可以研究传承，一张画在博物馆里，它是重要的遗存，但是它到了美院里，它才是衣钵。衣钵就会传承，它会进入到艺术创造这条河流里面去，它就真正成其为源流。
会有研究，会有新的创造，这恰恰是我们现在要去推动的事情。
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