“大概二十几岁的时候，我就比较清楚自己要做的事情肯定是跟音乐相关的。”
从台前到幕后，刘威组乐队、做音乐制作、做VJ......以音乐为原点，不断拓展平面、影像、音乐及交互装置等创作领域。2015年，还成立了一个名为“谱造司”的视听艺术厂牌。
作为低调的创作者角色，谱造司聚起了对视觉和音乐感兴趣的创作者们，共同打开着更多视听艺术体验。
在过去几年，他们接连不断的作品，让人清晰感受到某种创造性，产生穿过屏幕与之建立讨论的好奇。
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采访当天，刘威迟到了，说着要处理点事情。我在院子点了杯咖啡，在书架上随手抽了本书边看边等。
本以为是在忙工作上的事，但他诚实地给我讲了个非常清新的迟到理由：在家里面弄音乐，弄忘了。
“我想把设备的线接好，回去就方便直接玩。结果线一接好我就玩起来了，忘了时间。”说着说着，似乎还和自己来了个约定，即：但凡有约，尽量不碰设备好一点，会停不下来。
1997年，刘威开始玩乐队。随后，在音乐行业的众多职业间切换后，自称是一个对工具、技术比较着迷的他，突然发现了VJ这个新路径。
·VJ指的是Visual Jockey（影像骑师），简单来说就是负责提供Party影像的人，负责播放和制作Visual的职业。
彼时演出都没有什么市场，更别谈VJ这个职业。带着好玩的心态，他将之分享给了周围的朋友，包括谱造司的另一主理人，Mian。他也开始在自己乐队演出时简单加上一个歌词影像。“那时的VJ与现在的VJ诉求其实差别不大，就是希望观众能看清楚歌词唱的是什么。拿PPT做过VJ、纯翻页看的都有，现在可能都还有。”
简单理解，最开始就是以字幕的形式为观看者提供便利。而随着新的工具、软件更新出现与了解的深入，VJ的可探索性、创造性还在无限放大。
·曾做过的现场视觉影像：朴树音乐会、2013年上海草莓音乐节
自己的乐队有VJ、也帮朋友做VJ，类似于口口相传的方式，越来越多的人看到并联系刘威。
音乐之外，资料显示刘威曾供职于苹果、华为等公司，2015年时，他基本上觉得打工这个状态已经不适合了自己了。零零散散、陆陆续续做了七八年的VJ散活，也差不多了，是时候成立一个工作室了。
2015年注册，2018年谱造司团队正式成型。起初是帮音乐人、音乐节做VJ，渐渐扩展到各类视觉艺术项目，例如展览、公共空间等，不过核心仍是音乐和视觉的交互项目。
如今，团队的主要工作内容主要分为三个板块：演出和公共空间的视觉项目、自己的创作、IP囧恩。
翻看谱造司的公众号，可以看到在核心音乐和视觉的交互上，独立乐队、流行音乐人都偏爱他们的创造力。合作的对象，有马赛克乐队、七八点乐队、傻子与白痴乐队、霓虹花园乐队、李宇春、宫阁、TNE9......
·谱造司团队为傻子与白痴制作的全新VJ视觉设计呈现。现场图/叶大绳
而谈到与不同类型的音乐人/乐队合作的差别，刘威觉得作为把想象力落地的执行者，这一切并没有太大不同。
一些观察在于，很多流行艺人可能更知道自己要什么、定位更清楚，会交流想法、提出很多概念；诸如独立乐队，注意力更多只在音乐上，给的自由度会更大一些。并且，很多乐队靠演出并没有挣到什么钱，一般预算都很有限。
·谱造司与音乐人宫阁合作，打造七首新作品的舞台视觉场景，共同呈现“幻日年代”巡演舞台。
给乐队或艺人做了这么多年的演出视觉，已经趋于稳定。如今，在刘威看来，更有挑战性的都是自己的项目。
比如今年谱造司更多会专注在自己的内容：音乐和演出个人作品的计划、关于IP囧恩的内容。
关于囧恩的由来，刘威说这个其实是个比较好玩的故事。
“跟很多IP不太一样，很多IP是通过设计出来的，但囧恩是很自然而然发生的。2018年，Mian在北京参加一个展览，现场有位艺术家给看展的人准备了很多彩色胶泥，可以随便捏东西玩形状。Mian就在那捏，然后我就把捏的东西带回来做了3D建模，慢慢再赋予其性格、起名字。”
2021年，囧恩首展《囧恩的初体验》，在一介。
或许你曾在许多不同场地看到过这只兔子。在我们的“断片3.0”、“潮拜72小时”艺术音乐超级狂欢活动、一介的艺术季快闪等地方，都曾有过它的身影。
·在“断片3.0”的囧恩
·2022年，《囧恩城市缝隙游记》
在兔年这个时间，团队目前已经邀请了音乐人、创作者做了囧恩的主题音乐、插画等。关于囧恩的更多想法，也将逐渐以各种形式与大家见面。
谱造司 Mian，《Jǒn》，2022年
艺术微喷，60x40厘米
通过一场演出的视觉，能让人看到背后的创作者并让人产生兴趣。当问到刘威觉得谱造司被看见、认可的原因，他的答案同样很清新。
“一方面，可能跟性格和做事方式有关系。”
虽然自谦在技术或呈现角度还有很多空间，但出于自我要求，团队从来不会降低标准去做事，对输出极有要求：每一个东西拿出来我都愿意与人分享，这是我们做的。
对于完美主义的追求是很彻底的，比如现在谈到可以做得更好的作品，他仍能给到具体的案例。
·《另一种语言》的最后一期演出，需要Noise Temple在绿幕前演出，谱造司完成虚拟环境与实时合成抠像。四五个人、半个月时间，从学开始到把它摸索着做出来很不容易，刘威表示，如果再有一次机会，肯定会做得更好。
不过，如今他会觉得：经历同样很宝贵，以及人需要学会在什么时候停。毕竟事情也可以没完没了一直改下去，永远有更好更多的想法。
“另外一方面，我觉得是谱造司来来来往往的每个人身上都有一些东西，就是能让创作变得很独特。”
·谱造司团队工作照
尽管这份工作在刘威看来很好玩，没有什么客观标准。面对这样一份把想象力转化成有价值的创造性工作，压力自然也不会小。对此，刘威基本不相信天赋，更不喜欢对此产生依赖，他觉得坚持比较重要。
这么多年，他见过太多有才华的人，但往往真正做得比较成功的都是特别坚持的，甚至刚开始会觉得比较平庸的一类人。
被动地等待灵感到来，不是他们的方法论。灵感更来源于日常的踏实行为。
·在院子文化创意园上班的团队日常
他有自己的点子库。日常生活中每天团队都要开会，碰撞一些灵感。他也会和团队伙伴分享说，尽量别在电脑前面呆着，拿张纸折一下、拿支笔来画都是可以的。离开屏幕这个行为是需要的，电脑只是最后执行或实施时使用。
·使用手机软件Luma.ai，将日常的事物扫描下来。
生活是灵感的策源地。每周给自己时间去街上瞎晃、观察，吸收当下的一些东西。比如他最近的习惯，是看到好玩的东西，就用手机上的3D扫描软件将之扫描成模型；听到好玩的声音就录下来，存成自己的内容库。
虽然谱造司主要在做视觉，但刘威认为团队其实在做跟通感相关的事情。视觉、听觉、甚至涉及到一些装置，它可能还有触觉或者嗅觉。
去年开始，谱造司开始更新一个名为“同步感官”系列。与各行各业的创作者展开对话。
·《同步感官》栏目目前已更新至第四期。第二期谱造司采访了秘密行动的一员：Formol否墨。图源/Ahsan_Lin
选择的创作者的标准，是熟悉自我的状态、自在的在自己的生活方式里面。“有一套成熟的自我创作体系和独特的视角方法。”
有什么目标吗？目前想的，是先把内容先做起来，然后可以看看慢慢会发生一些什么样的事情。比如，后续大家有机会可以共创公共艺术项目最好。
无论是与创作者探讨更多关于创作本身的事情，还是作品的制作、呈现，重要的，还是过程中的享受，人与人的连接。
比如，谈及这么多作品里印象最深的，他提到的是院子文化创意园开园那年做的一个装置。
“我们在楼下做了一个3×3的立方体装置，很多小朋友在那玩得特别开心。演出和公共艺术让人觉得有魅力的点，我觉得其实是实时地去跟人产生连接。能够觉得兴奋、治愈、郁闷甚至更多感受，都是因为这些作品触动了一些人。从结果而言，这是我觉得做这件事有意义的一个点。”
最后，一些看得到思索的状态，来自于对视觉的讨论。
一场演出的视觉效果呈现，固然会让人觉得新奇。但声光电“塞满”的状态、沉浸式的体验，会不会过于抢戏？甚至有时重心可能都不在表演本身、在演出与观众连接的本身？
刘威回忆起以前演出的场景，仅通过人与人面对面的连接的画面，有很直接的舞台魅力。因此，在确认演出的核心是表演的前提下，他谈到自己也不喜欢效果做得满满的，对于信息量的控制、设计很重要：好的视觉应该起到放大、加分的作用，而不是干扰。
在平衡好这一切的同时，做的东西，有可见的雕琢过程、有创造力的产生。像谱曲一样共同创造，是这个视觉团队的克制与追求。
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